La meilleure technique d’acteur

C’est une question qu’on s’est tous posé en tant qu’acteur : quelle est la meilleure méthode pour un acteur ? Quand j’ai débuté c’était même un sujet à débats après les cours. Et ça l’est toujours ! Stanislavski, Strasberg, Tchekhov ?

Certains professeurs de théâtre ne croient qu’en une seule méthode, d’autres disent ne pas en avoir du tout et sont contre toute forme de « méthode » quelle qu’elle soit.

Juste avant de partir pour Paris pour continuer à étudier le théâtre, mon premier professeur m’a dit : « ne te ferme jamais à un enseignement ». C’était un peu le dernier conseil de Yoda, et c’est quelque chose à ne pas oublier. En tant qu’acteur, la première chose à faire face à ça, c’est d’être ouvert. Ne vous fermez jamais à un nouvelle façon de jouer ou de voir les choses. Un acteur se doit d’être curieux.

Il y a beaucoup de « méthodes » pour les acteurs, mais toutes ne sont pas connues, et même si on a pu en entendre parler, on ne connait pas forcément leur contenu.

C’est pourquoi j’ai décidé de vous faire un petit résumé de quelques unes d’entre elles.

Le « système » de Stanislavski

Stanislavski est sans doute le plus connu. Bien que son système date un peu (développé entre 1910 et 1938), il est toujours largement utilisé et a inspiré énormément d’acteurs.

Au début, sa technique était basée sur la « mémoire émotionnelle ». C’est à dire qu’un acteur pouvait se remémorer un moment où il a pu ressentir une émotion proche de celle que doit avoir son personnage. Grâce à ça, il pouvait avoir de véritables émotions et s’approcher de la réalité. C’était donc un travail interne. Pour développer cette technique, il s’était basé sur les travaux d’un psychologue Français, Théodule Ribot. C’est ce psychologue qui a le premier parlé de « mémoire affective ».

A partir des années 30, Stanislavki a fait évoluer cette technique en « système ». C’est à ce moment qu’il y a intégré les notions de « Si magique« , l’analyse des motivations de son personnage, et l’analyse des objectifs.

Avant sa mort, il mit de coté la mémoire émotionnelle car son protégé, Michael Tchekhov, fit une dépression à cause de ça. Il fera ensuite évoluer son système vers des techniques faisant plus appel à l’imagination.

Michael Tchekhov

Il est le neveu de l’auteur Anton Tchekhov, et étudia avec Stanislavski qui le considérait comme son meilleur élève. Il développa sa propre technique basée sur ce qu’il appelle « le geste psychologique » et l’imagination. Son approche est donc plus axée sur le physique et la manière dont il peut influencer le mental.

Le geste psychologique est un mouvement du corps qui doit représenter le désir du personnage. Pour Tchekhov, trouver le « geste psychologique » de son personnage va donc agir sur son mental.

La « méthode » de l’Actors Studio

A l’origine il y avait le « Group Theater » fondé par Harold Clurman, Cheryl Crawford et Lee Strasberg. Après la dissolution de ce groupe à cause de divergences de point de vue, l’Actors Studio est fondé. Plus tard Lee Strasberg en a été nommé directeur en 1951 et a très largement contribué à l’institution que c’est devenu aujourd’hui.

Ce qu’on appelle « la méthode » aujourd’hui est basé sur les travaux de Stanislavski, sur les recherches de professeurs célèbres (Stella Adler, Lee Strasberg, Sandford Meisner) et sur l’improvisation. Strasberg a continué à utiliser les « mémoires sensorielles », alors que Adler faisait un travail sur l’imagination. Meisner quant à lui cherchait à développer un jeu proche de la vie, non intellectualisé et dans l’instant.

Meyerhold

A l’opposé de Stanislavski dont la méthode se base sur la psychologie et le réalisme, Meyerhold a axé son travail sur la stylisation, le symbolisme et un travail sur le corps. Il s’inspire de la commedia dell’arte, de la gymnastique, de la danse et de la « la Méthode rythmique » d’Emile Jacques-Dalcroze.

Brecht

Pour Brech, le théâtre ne devait pas servir à faire réagir émotionnellement le spectateur ou à le faire s’identifier aux personnages. Pour lui le théâtre devait susciter sa réflexion et son sens critique. Il va alors utiliser dans ses mises en scènes des panneaux ou des apartés destinées au public pour le faire réfléchir. C’est ce qu’il appellera la distanciation. L’acteur devra donc se contenter de raconter plus qu’interpréter.

Il y a bien d’autres méthodes de travail mais ce qui importe c’est de trouver SA propre méthode, celle qui fonctionne pour nous. La meilleure technique, c’est la votre.
Si vous êtes adepte de l’Actors Studio ou d’une méthode se rapprochant de l’enseignement de Stanislavski, peut être que vous devriez vous intéresser à quelque chose de plus corporel, et inversement.

Intégrez tout ce qui vous parle, et ne vous fermez pas à un enseignement car il y a toujours quelque chose à apprendre.

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